Per gran parte della storia ottenere un blu intenso non è stato affatto semplice. Nell’antico Egitto esisteva il Blu Egizio, un pigmento artificiale che per secoli colorò tombe, templi e palazzi. Quando quella conoscenza andò progressivamente perduta, il blu tornò a essere una risorsa rara. Pittori e committenti disponevano di poche alternative e nessuna possedeva il prestigio dell’oltremare naturale. La sua origine si trovava a migliaia di chilometri di distanza, nelle montagne del Badakhshan, in Afghanistan, dove veniva estratto il lapislazzuli. La pietra doveva attraversare deserti, montagne e rotte commerciali che collegavano l’Asia all’Europa. Solo allora iniziava il lavoro più difficile: separare il pigmento blu dalle altre componenti del minerale. Il risultato era straordinario. L’oltremare possedeva una profondità e una luminosità che nessun altro blu riusciva a eguagliare. Il prezzo, però, era altrettanto eccezionale. In alcuni periodi il pigmento poteva costare quanto, o persino più, dell’oro utilizzato dagli stessi artisti. Per questo motivo veniva riservato alle parti più importanti di un dipinto. Il manto della Vergine, il cielo di una scena sacra o un dettaglio destinato a richiamare immediatamente l’attenzione dello spettatore. Le opere raccolte in questa lista appartengono tutte a un’epoca particolare della storia dell’arte. Sono state realizzate prima dell’invenzione dell’oltremare sintetico, presentato nel 1828 dal chimico francese Jean-Baptiste Guimet. Il blu che vediamo in queste immagini non nasce quindi da un processo industriale moderno, ma da una pietra semipreziosa estratta dalle montagne dell’Asia centrale e trasformata pazientemente in pigmento.
10- Cappella degli Scrovegni
Padova, Italia – 1305
Nel primo Trecento pochi committenti avrebbero potuto permettersi una simile quantità di oltremare. La Cappella degli Scrovegni conserva uno dei più celebri cieli blu della storia dell’arte occidentale. Stelle dorate, figure sacre e scene narrative si sviluppano sotto una volta che deve gran parte della propria forza visiva proprio al colore. Non si trattava di un pigmento comune. Come confermano gli studi dedicati alla tecnica di Giotto, il blu deriva dall’oltremare naturale ottenuto dal lapislazzuli, una pietra importata dall’Asia centrale e considerata fra i materiali più costosi disponibili per un pittore del Trecento. La scelta assume un significato particolare se si considera l’estensione delle superfici coinvolte. Qui l’oltremare non compare soltanto nei dettagli più importanti o nelle vesti dei personaggi principali. Viene utilizzato su una scala che ancora oggi colpisce per ambizione e costo. Proprio il valore del pigmento influenzò anche la tecnica esecutiva. In diverse zone il blu fu applicato sull’intonaco già asciutto, una procedura più delicata ma necessaria per conservare l’intensità cromatica dell’oltremare. A oltre sette secoli dalla sua realizzazione, la cappella rappresenta uno dei casi più spettacolari di utilizzo del lapislazzuli nella pittura europea.
9- Wilton Diptych
Londra, Regno Unito – 1399
In alcune opere il blu accompagna la composizione. Nel Wilton Diptych accade l’opposto. La tavola è dominata da una distesa di oltremare che unisce la Vergine, il Bambino e il gruppo di angeli raffigurati nel pannello principale. Pochi dipinti medievali conservano una presenza tanto estesa e immediatamente riconoscibile di questo colore. Le analisi tecniche condotte dalla National Gallery di Londra hanno confermato l’impiego di oltremare naturale ottenuto dal lapislazzuli. Una scelta che, alla fine del XIV secolo, rappresentava ancora un investimento considerevole. Il pigmento arrivava da migliaia di chilometri di distanza e il suo valore superava spesso quello di molti altri materiali utilizzati dai pittori. L’effetto visivo era però difficile da eguagliare. Le vesti della Vergine e degli angeli creano un insieme compatto che distingue immediatamente le figure sacre dal resto della scena. Il blu non viene utilizzato soltanto come elemento decorativo. Diventa il colore che organizza l’intera immagine e ne definisce l’identità. Realizzato probabilmente per il re Riccardo II d’Inghilterra, il dittico appartiene a un’epoca in cui il possesso dell’oltremare era ancora un segno di prestigio e ricchezza. La quantità impiegata nell’opera suggerisce un committente disposto a sostenere costi elevati pur di ottenere il pigmento più ricercato del proprio tempo.
8- Très Riches Heures du Duc de Berry
Bourges, Francia – 1416
All’inizio del Quattrocento esistevano pochi uomini in Europa in grado di acquistare grandi quantità di oltremare senza preoccuparsi del costo. Giovanni di Berry era uno di questi. Le Très Riches Heures nacquero come libro di preghiere privato, ma la qualità dei materiali utilizzati supera di gran lunga quella normalmente associata a un manoscritto. Oro, pergamena e pigmenti preziosi compaiono in quasi ogni pagina. Fra questi, l’oltremare occupa un ruolo di primo piano. Gli studi dedicati ai materiali del manoscritto confermano l’impiego del pigmento ottenuto dal lapislazzuli nelle miniature più importanti. Il blu compare nei cieli, nelle vesti e negli sfondi che caratterizzano molte delle immagini più celebri del volume. La scelta assume un significato particolare se si considera la quantità di pagine decorate. In molti casi l’oltremare veniva riservato a pochi dettagli. Qui ricompare continuamente, trasformandosi in uno degli elementi visivi che rendono immediatamente riconoscibile il manoscritto. Le scene dedicate ai mesi dell’anno sono probabilmente l’esempio più noto. Castelli, paesaggi, figure e cieli mostrano quanto il blu fosse diventato importante per la rappresentazione del prestigio e della ricchezza. Nel giro di pochi decenni l’oltremare avrebbe continuato a dominare alcune delle opere più ambiziose del Rinascimento.
7- Adorazione dei Magi
Firenze, Italia – 1423
Nel Quattrocento esistevano molti modi per dimostrare la propria ricchezza. Pochi erano efficaci quanto commissionare un dipinto come l’Adorazione dei Magi di Gentile da Fabriano. L’opera venne realizzata per Palla Strozzi, uno degli uomini più facoltosi della Firenze dell’epoca. Oro, decorazioni in rilievo, dettagli minuziosi e materiali preziosi compaiono in ogni parte della composizione. Nulla suggerisce moderazione. Tutto è pensato per comunicare prestigio. Anche il blu partecipa a questo linguaggio.Le fonti storico-artistiche e gli studi dedicati al dipinto identificano nel manto della Vergine l’impiego di oltremare ottenuto dal lapislazzuli, il pigmento più costoso disponibile per un pittore del primo Quattrocento. La scelta non era soltanto estetica. Utilizzare un materiale tanto raro significava attribuire alla figura rappresentata il massimo valore possibile. L’Adorazione dei Magi appartiene a un momento in cui il commercio internazionale portava a Firenze stoffe, spezie, pietre preziose e pigmenti provenienti da luoghi lontanissimi. Il lapislazzuli seguiva lo stesso percorso. Estratto in Asia centrale, attraversava migliaia di chilometri prima di trasformarsi nel blu intenso che ancora oggi distingue le parti più importanti dell’opera.
6- Camera degli Sposi
Mantova, Italia – 1474
Molti affreschi rinascimentali utilizzano il blu con grande attenzione. Pochi, però, riescono a farne uno degli elementi che definiscono l’intero ambiente. Nella Camera degli Sposi Andrea Mantegna trasformò una stanza del Palazzo Ducale di Mantova in un esercizio di illusione prospettica senza precedenti. Pareti e soffitto sembrano aprirsi oltre i propri confini reali, creando uno spazio che supera i limiti dell’architettura. In questo progetto il blu svolge un ruolo fondamentale. Le indagini effettuate sui pigmenti del ciclo pittorico hanno identificato l’impiego di oltremare naturale ottenuto dal lapislazzuli in diverse aree delle decorazioni. Una scelta che testimonia il livello di ambizione dell’opera e la disponibilità dei Gonzaga a sostenere costi elevati per la sua realizzazione. L’oltremare compare nei cieli, nelle vesti e in numerosi dettagli che contribuiscono alla costruzione dell’effetto complessivo. In un ambiente progettato per stupire gli ospiti della corte mantovana, la qualità dei materiali era parte integrante del risultato finale. A differenza delle opere precedenti della lista, qui il blu non appartiene a una singola immagine. Si distribuisce nello spazio e partecipa alla trasformazione di un’intera stanza, dimostrando come il pigmento più prezioso del Rinascimento potesse diventare anche uno strumento architettonico.
5- Nascita di Venere
Firenze, Italia – 1486
Alla fine del Quattrocento il blu non era più soltanto il colore della Vergine. Con Botticelli l’oltremare entra in una delle immagini più celebri della cultura rinascimentale e accompagna una scena ispirata al mondo classico. Il mare che accoglie Venere, il cielo e diversi dettagli della composizione contribuiscono a creare quell’equilibrio cromatico che rende l’opera immediatamente riconoscibile. Le analisi effettuate sul dipinto hanno confermato l’impiego di oltremare naturale ottenuto dal lapislazzuli. Una scelta che continua a sorprendere se si considera la dimensione dell’opera e l’elevato costo del pigmento nel XV secolo. La Nascita di Venere appartiene a un momento particolare della storia dell’arte. Firenze riscopre la cultura dell’antichità, i soggetti mitologici tornano a occupare un posto centrale e i grandi committenti investono somme considerevoli nella pittura. Anche il blu partecipa a questa trasformazione. Per secoli l’oltremare era stato associato soprattutto alle immagini sacre. Qui compare invece in una scena dedicata alla mitologia, dimostrando come il pigmento più prezioso disponibile avesse ormai superato i confini della tradizione religiosa. Fra tutte le opere presenti in questa lista, poche mostrano con altrettanta chiarezza il passaggio dal mondo medievale a quello rinascimentale.
4- Bacco e Arianna
Londra, Regno Unito – 1523
In pochi dipinti del Rinascimento il blu riesce a imporsi con la stessa forza. Nel Bacco e Arianna di Tiziano, una vasta porzione della superficie è occupata da un cielo intenso che accompagna l’incontro fra la principessa cretese e il dio del vino. Il colore non rimane sullo sfondo. Diventa uno degli elementi che definiscono l’intera immagine. Le analisi tecniche effettuate dalla National Gallery di Londra hanno identificato oltremare naturale ottenuto dal lapislazzuli nelle aree blu più importanti del dipinto. Per un’opera di queste dimensioni si trattava di una scelta impegnativa anche dal punto di vista economico. Il cielo di Bacco e Arianna è diventato uno dei blu più celebri della pittura europea. La sua intensità colpisce ancora oggi e contribuisce a spiegare perché l’oltremare fosse considerato il pigmento più prestigioso disponibile per gli artisti del Rinascimento. Rispetto alle opere medievali della prima parte della lista, qui il pigmento assume un ruolo diverso. Non serve a distinguere una figura sacra né a sottolineare il valore simbolico di un personaggio. Viene utilizzato per costruire uno spazio aperto, luminoso e carico di energia.
3- Giudizio Universale
Città del Vaticano – 1541
Nel Cinquecento esistevano pochi incarichi più prestigiosi di una parete della Cappella Sistina. Quando Michelangelo iniziò il Giudizio Universale, aveva già trasformato il soffitto della cappella in una delle opere più celebri del proprio tempo. La nuova impresa richiedeva però una scala ancora maggiore. Centinaia di figure, corpi in movimento e una composizione destinata a occupare quasi interamente la parete dell’altare. In un’opera costruita per impressionare fedeli, cardinali e ambasciatori, anche il colore aveva un ruolo fondamentale. Le fonti storiche e gli studi dedicati ai materiali della Sistina documentano l’impiego dell’oltremare naturale nelle aree blu del ciclo pittorico. Nel XVI secolo il pigmento ottenuto dal lapislazzuli continuava a essere uno dei materiali più costosi disponibili per un artista, un lusso che pochi cantieri potevano permettersi su larga scala. Nel Giudizio Universale il blu compare accanto a incarnati, terre e tonalità luminose che caratterizzano l’intera composizione. Non domina la parete come accade nel cielo della Cappella degli Scrovegni o nel Bacco e Arianna di Tiziano, ma contribuisce a costruire uno dei più celebri programmi pittorici del Rinascimento. A distanza di secoli, l’opera continua a rappresentare uno dei momenti più ambiziosi della pittura occidentale.
2- La Lattaia
Delft, Paesi Bassi – 1661
A prima vista il motivo della presenza di questo dipinto nella lista potrebbe sembrare evidente. La giacca della domestica contiene infatti una delle zone blu più celebri della pittura olandese del Seicento. Le analisi tecniche hanno confermato che Vermeer utilizzò oltremare naturale ottenuto dal lapislazzuli per ottenere quella particolare intensità cromatica. La parte più sorprendente dell’opera, però, si trova altrove. Gli studi effettuati sul dipinto hanno mostrato che il pittore impiegò l’oltremare anche in aree dove il colore non appare immediatamente blu. In alcuni punti il pigmento venne utilizzato per modificare ombre, equilibri cromatici e passaggi di luce, una scelta difficile da giustificare dal punto di vista economico considerando il valore del materiale. Questo dettaglio racconta molto del modo di lavorare di Vermeer. Per molti artisti il lapislazzuli era un pigmento da utilizzare con parsimonia. Per il pittore olandese sembra essere stato soprattutto uno strumento capace di influenzare la luminosità complessiva dell’immagine. La Lattaia rappresenta uno dei casi più studiati di questo approccio. Il blu visibile sull’abito è soltanto una parte della storia. Il resto si nasconde sotto la superficie del dipinto, dove il pigmento più prezioso della pittura europea continua a svolgere un ruolo che lo spettatore difficilmente potrebbe immaginare.
1- Fanciulla con l’Orecchino di Perla
Delft, Paesi Bassi – 1665
Pochi dipinti sono riconoscibili quanto la Fanciulla con l’orecchino di perla. Lo sguardo rivolto verso l’osservatore, la luce sul volto e il celebre gioiello hanno reso questa immagine una delle più famose della storia dell’arte. Fra tutti questi elementi, però, ce n’è uno che merita particolare attenzione: il turbante. Le indagini tecniche effettuate sul dipinto hanno confermato l’utilizzo di oltremare naturale ottenuto dal lapislazzuli nelle parti blu dell’opera. Nel Seicento il pigmento continuava a essere fra i materiali più costosi disponibili per un pittore europeo, eppure Vermeer non esitò a impiegarlo nelle sue opere più importanti. La scelta non era soltanto una questione di colore. L’oltremare possedeva una luminosità e una profondità difficili da ottenere con altri pigmenti. Nel turbante della giovane donna queste qualità risultano particolarmente evidenti e contribuiscono a creare uno dei dettagli più memorabili dell’intera composizione. Vermeer aveva a disposizione alternative meno costose. Molti suoi contemporanei le utilizzavano regolarmente. La presenza del lapislazzuli in questo dipinto dimostra quanto il pittore attribuisse valore alla qualità cromatica e agli effetti di luce. A oltre tre secoli dalla sua realizzazione, quel blu continua a essere uno dei protagonisti silenziosi dell’opera, ricordando che dietro una delle immagini più celebri del Seicento si nasconde ancora il pigmento più prezioso della pittura europea.
